Rencontre avec Miwa Neishi

Quand as-tu démarré la céramique et qu’est-ce qui t’a menée vers ce matériau ?

J’ai commencé il y a 10 ans, alors que j’étais à l’université à Niigata (Japon). Mon professeur de sculpture m’a beaucoup soutenue dans mes recherches autour de la création d’objets plus grands. J’ai ensuite intégré une école supérieure aux États-Unis, dans l’Ohio. L’aspect très communautaire et basé sur l’entraide des cours de céramique m’a vraiment donné envie de continuer à travailler cette matière, et après avoir déménagé à New York j’ai rejoint le Sculpture Space NYC (espace dédié à la sculpture et à la céramique).

Peux-tu nous parler des inspirations de ton travail ?

À peu près tout ce qui m’entoure dans la vie… J’ai tendance à penser que la créativité et la communication passent par différents média et langages : la musique, la poterie, la danse ou l’écriture. Le besoin qu’ont les gens de se connecter les uns aux autres quels que soient leurs moyens d’expression m’intéresse vraiment. Ensuite, l’expressionnisme abstrait me parle particulièrement lorsque je pense aux rapprochements qu’il peut y avoir entre des cultures différentes. Les expositions de Noguchi Isamu et Saburo Hasegawa m’ont particulièrement inspirée pour la série des vases Moji.

Tu es née et as grandi au Japon et vis désormais à New-York. En quoi ce changement a un impact sur ton sens des couleurs et des formes, sur ton rapport à la terre ?

Je crois qu’au Japon, mon expression était un peu restreinte par les attentes qu’il y a de la céramique, en tant qu’artisanat traditionnel. Je ressentais une certaine pression, à la recherche de la forme parfaite et j’avais peur de la critique. Puis j’ai déménagé à New York et je me suis sentie beaucoup plus détendue et libre, prête à expérimenter et tester de nouvelles choses. En parallèle j’ai eu d’autant plus envie de partager ma culture et mes souvenirs dans ce nouvel environnement. Je tends à me rapprocher de la qualité et de l’harmonie que j’ai apprises au Japon, mais aussi à respecter les couleurs des matières naturelles. Mon travail est expérimental mais toujours dans le respect et les limites que nous fixe la nature.

Est-ce que tu es collectionnes toi-même des œuvres, des objets ?

Je commence ! Lors de ma dernière visite à Tokyo j’ai acheté des gravures et des ouvrages de Keisuke Seriwaza – un artiste de la teinture textile des années 1950, mais aussi des cerf-volants traditionnels d’un artisan de Shimane (préfecture au Nord de l’Île d’Honshu au Japon). En travaillant sur les vases Moji, je me suis prise d’une vraie passion pour la typographie abstraite au Japon. Je continue à faire grandir ma collection avec des pièces anciennes et Mingei (mouvement de l’art Populaire japonais) et j’espère qu’un jour ma maison en sera remplie !

Peux-tu partager avec nous ton processus de création ? Est-ce que tu imagines tes formes en les dessinant en amont ou bien c’est plus spontané ?

Les deux. Quand je ne suis pas à l’atelier, je dessine ou j’écris beaucoup, pour garder en tête mes idées. Cela dépend aussi de la terre, de la couleur de la terre, qui m’inspirent dans la création de pièces qui ont leur propre caractère. Certaines formes sont issues de formes précédentes, se transformant ou changeant d’échelle. Les formes que je crée sont souvent issues des formes de la calligraphie aussi. Pour ce qui est de la couleur, c’est en général plus spontané : la phase d’émaillage réserve souvent pas mal de surprises, ce qui est très excitant.

Peux-tu nous en dire davantage à propos des pièces sélectionnées pour Volume Ceramics ? 

• Sakura – je voulais tester un nouvel émail rose que j’ai acheté au début du printemps. Sortir observer les cerisiers en fleur est une tradition au Japon et l’arrivée du printemps évoque toujours chez moi des sentiments contrastés lorsque je repense à ces beaux souvenirs en famille.

• Grey Navy Line – Cette pièce m’est venue après une autre pièce nommée “house”, elle représente la ligne des toits traditionnels japonais, dont les bordures se redressent.

• Neon Pot – Alors que j’étudiais d’anciennes figurines Jomon qui me semblaient tout droit venues de l’espace, j’ai eu envie de créer une pièce avec des attributs et des couleurs futuristes. J’adore jouer avec les contrastes !

• Snowy Pot – En faisant cette pièce j’ai mis l’accent sur les ouvertures carrées, qui me font penser à des fenêtres. Le reste de la forme est venu de façon expérimentale, de même que la texture brossée à la surface de la pièce, qui donne ce côté neigeux et texturé à la pièce.

• Pelvic Vase – Une pièce imposante – et assez lourde ! Ma féminité est une part de mon identité et cette conscience transparait parfois dans mon travail. La forme et la couleur de cette pièce se sont presque imposées à moi, comme inconsciemment.

Quels sont tes projets en ce moment ?

J’aimerais continuer à créer et à améliorer l’environnement dans lequel je crée. Peut-être donner des cours, transmettre ce que je sais. Le projet de mes rêves serait de créer un espace dédié à la création et au fait d’apprécier l’art dans la vie de tous les jours, cela fait du bien à l’esprit et élève la société ! Je souhaite aider les gens à se connecter grâce à l’art, au-delà de leurs pratiques ou de leurs limites en termes de moyens d’expression.

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crédits photo = Bryan Anton